Stagione 2022

• Testo di Elsa Morante da “Il mondo salvato dai ragazzini”
• Regia: Andrea Santantonio
• Con Nadia Casamassima
• Disegno luci: Joseph Geoffriau
• Lo spettacolo è rivolto ai ragazzi dagli 11 anni in su
• Durata: 45 minuti
• Genere: teatro d’attore e video-teatro

• Testo di Elsa Morante da “Il mondo salvato dai ragazzini”
• Regia: Andrea Santantonio
• Con Nadia Casamassima
• Disegno luci: Joseph Geoffriau
• Lo spettacolo è rivolto ai ragazzi dagli 11 anni in su
• Durata: 45 minuti
• Genere: teatro d’attore e video-teatro

• Di e con Nadia Casamassima e Andrea Santantonio
• Durata: 50 minuti
• Consigliato ad un pubblico dai 6 anni in su.
• Da svolgersi all’aperto in luoghi particolarmente suggestivi: jazzi, masserie, centri storici.
• Per un numero massimo di spettatori

• Di e con Nadia Casamassima e Andrea Santantonio
• Durata: 50 minuti
• Consigliato ad un pubblico dai 6 anni in su.
• Da svolgersi all’aperto in luoghi particolarmente suggestivi: jazzi, masserie, centri storici.
• Per un numero massimo di spettatori

Regia Piero Bonaccurso

Sand art e interpretazione Greta Belometti

Testi Greta Belometti, inspirati all’opera di Gianni Rodari

Tecnica teatro d’attore e animazione con la sand art

Età consigliata dai 5 anni in su, adatto per le famiglie

Durata 50 minuti

Si gioca con i disegni tra rima e musica, in scena il burattino più famoso del mondo: Pinocchio!

Slot Machine racconta la caduta vertiginosa di un giocatore, di un annegare nell’azzardo, dove ogni legame affettivo viene sacrificato sull’altare del niente. Amara è la sua fine e, nel suo malato sogno di potenza, delira da solo dal fondo di un fossato di campagna, colpito a morte dai suoi strozzini, allo stesso tempo vittima e carnefice di se’ stesso.
Il gioco è una sfinge. Come una sfinge, ci interroga sulla nostra natura. E se siamo noi a interrogarlo, a interrogarne il concetto, l’essenza, la presenza millenaria nella storia dell’umanità, come un oracolo antico ci fornisce risposte ambigue: il gioco può manifestarsi come la voragine dell’autodistruzione solitaria, oppure, al contrario, come il senso più alto e bello dello stare insieme, del miracolo della convivenza. Il gioco può rivelarsi strumento demonico o danza angelica, inferno o paradiso, perché va al fondo della nostra enigmatica natura umana.
Il bivio è lì, davanti ai nostri occhi incerti e titubanti di pellegrini, e non vi è nessuna guida sicura che possa suggerirci la strada: è la nostra sorte che è in gioco, e tocca a noi e solo a noi scommettere su quale via prendere. E la scommessa non la si fa una volta per tutte: è una sfida da rinnovare ogni giorno, ad ogni ora di ogni giorno il bivio si ripresenta, implacabile. Dobbiamo
puntare, in fondo, sulla strada da percorrere, è il nostro destino, la nostra destinazione: e siamo incastrati, non ci è possibile non scegliere, non possiamo non stare al gioco, al gioco della vita e della morte, non possiamo eludere e scappare. Il prezzo, e le conseguenze della giocata, saremo solo noi a pagarli: quel che, forse, possiamo e dobbiamo scegliere, è da chi e da che cosa lasciarci afferrare.

Marco Martinelli / Teatro delle Albe
Slot Machine
soliloquio dalla fossa

di Marco Martinelli ideazione Marco Martinelli, Ermanna Montanari
con Alessandro Argnani musica Cristian Carrara eseguita dal vivo da Christian Ravaglioli
regia Marco Martinelli produzione Teatro delle Albe/Ravenna Teatro in collaborazione con Teatro La Cucina/Olinda

Slot Machine racconta la caduta vertiginosa di un giocatore, di un annegare nell’azzardo, dove ogni legame affettivo viene sacrificato sull’altare del niente. Amara è la sua fine e, nel suo malato sogno di potenza, delira da solo dal fondo di un fossato di campagna, colpito a morte dai suoi strozzini, allo stesso tempo vittima e carnefice di se’ stesso.
Il gioco è una sfinge. Come una sfinge, ci interroga sulla nostra natura. E se siamo noi a interrogarlo, a interrogarne il concetto, l’essenza, la presenza millenaria nella storia dell’umanità, come un oracolo antico ci fornisce risposte ambigue: il gioco può manifestarsi come la voragine dell’autodistruzione solitaria, oppure, al contrario, come il senso più alto e bello dello stare insieme, del miracolo della convivenza. Il gioco può rivelarsi strumento demonico o danza angelica, inferno o paradiso, perché va al fondo della nostra enigmatica natura umana.
Il bivio è lì, davanti ai nostri occhi incerti e titubanti di pellegrini, e non vi è nessuna guida sicura che possa suggerirci la strada: è la nostra sorte che è in gioco, e tocca a noi e solo a noi scommettere su quale via prendere. E la scommessa non la si fa una volta per tutte: è una sfida da rinnovare ogni giorno, ad ogni ora di ogni giorno il bivio si ripresenta, implacabile. Dobbiamo
puntare, in fondo, sulla strada da percorrere, è il nostro destino, la nostra destinazione: e siamo incastrati, non ci è possibile non scegliere, non possiamo non stare al gioco, al gioco della vita e della morte, non possiamo eludere e scappare. Il prezzo, e le conseguenze della giocata, saremo solo noi a pagarli: quel che, forse, possiamo e dobbiamo scegliere, è da chi e da che cosa lasciarci afferrare.

Marco Martinelli / Teatro delle Albe
Slot Machine
soliloquio dalla fossa

di Marco Martinelli ideazione Marco Martinelli, Ermanna Montanari
con Alessandro Argnani musica Cristian Carrara eseguita dal vivo da Christian Ravaglioli
regia Marco Martinelli produzione Teatro delle Albe/Ravenna Teatro in collaborazione con Teatro La Cucina/Olinda

Quella di Andersen è stata una vita spesa a scrivere e raccontare storie, a ritagliare strane e divertenti figurine nella carta, per animare il suo personale, onirico teatro della vita. La totale dedizione alla scrittura è stata premiata da una ben meritata popolarità universale, sia tra i piccoli che trai grandi. Ci piace ricordare l’autore danese utilizzando proprio gli ingredienti più significativi del suo mondo fantastico e combinarli, per tre volte più una, in differenti maniere all’interno del nostro spettacolo dove il linguaggio del teatro di narrazione dialoga con i soggetti di un teatro delle ombre ricavato in un vecchio tamburo, che a sua volta si confonde con quello di marionette tanto amato da Andersen. Così, nello spettacolo di teatro di figura, le fiabe escono da una scatola di cartone piena di ricordi: un pisello rinsecchito, un vecchio soldatino, la scatola stessa trasformata in teatrino, una forbice e poco altro, raccontano le loro avventure. Poveri oggetti-ricordo, sufficienti ad alimentare il racconto de La principessa sul pisello, delle due lumachine della Famiglia felice e del Tenace soldatino di stagno. Piccoli oggetti apparentemente insignificanti, racchiusi in un semplice teatrino che diventa il microcosmo delle nostre paure e delle nostre gioie. Sono le nostre, semplici storie che accompagnano il viaggio di tutti, grandi e piccoli, a cercare risposte, a volte timide, a volte coraggiose, alle piccole e grandi domande della vita quotidiana.

teatro di figura e di narrazione, opera per bimbi da 3 a 8 anni

Quella di Andersen è stata una vita spesa a scrivere e raccontare storie, a ritagliare strane e divertenti figurine nella carta, per animare il suo personale, onirico teatro della vita. La totale dedizione alla scrittura è stata premiata da una ben meritata popolarità universale, sia tra i piccoli che trai grandi. Ci piace ricordare l’autore danese utilizzando proprio gli ingredienti più significativi del suo mondo fantastico e combinarli, per tre volte più una, in differenti maniere all’interno del nostro spettacolo dove il linguaggio del teatro di narrazione dialoga con i soggetti di un teatro delle ombre ricavato in un vecchio tamburo, che a sua volta si confonde con quello di marionette tanto amato da Andersen. Così, nello spettacolo di teatro di figura, le fiabe escono da una scatola di cartone piena di ricordi: un pisello rinsecchito, un vecchio soldatino, la scatola stessa trasformata in teatrino, una forbice e poco altro, raccontano le loro avventure. Poveri oggetti-ricordo, sufficienti ad alimentare il racconto de La principessa sul pisello, delle due lumachine della Famiglia felice e del Tenace soldatino di stagno. Piccoli oggetti apparentemente insignificanti, racchiusi in un semplice teatrino che diventa il microcosmo delle nostre paure e delle nostre gioie. Sono le nostre, semplici storie che accompagnano il viaggio di tutti, grandi e piccoli, a cercare risposte, a volte timide, a volte coraggiose, alle piccole e grandi domande della vita quotidiana.

teatro di figura e di narrazione, opera per bimbi da 3 a 8 anni

Una sedia. Sei tombe. Un naso rosso. Un uomo seduto in attesa. È così che si apre la scena. La tragedia si è svolta. Tutto è già avvenuto.
Il tempo è motore dell’azione scenica: sfalsato, distorto. Amleto conta i minuti alla sua morte, preparando, infine, il suo loculo. La morte è lì davanti che guarda. La sua tomba aspetta che si riempia del personaggio. L’attore in scena detta i tempi di un dramma conosciuto e tenta in maniera svogliata di ripercorrerne i passaggi cruciali.
E’ farsa? E’ Grottesco? E’ Clownesco? Tutto è rappresentazione.
“Hai trenta minuti e poi morirai” dice l’amico Laerte. Non c’è tempo. Un’imperfetta ricostruzione del dramma Shakespeariano è necessaria perché l’attore arrivi a concludere il gioco, a togliersi il naso, a morire. Il personaggio muore, non l’uomo, che ha ancora qualcosa da dire alla madre defunta. È a lei, sulla sua tomba, che vomiterà addosso parole segrete, logorate dal buio, insudiciate dai troppi silenzi. Confessa.
L’Amleto di Francesco Zaccaro corre su un filo immaginario, sospeso tra realtà e finzione, teatro e rappresentazione, vita e morte, attore e personaggio, cercando come un abile Petit di improvvisare delle evoluzioni: Il filo non è ciò che si immagina. Non è l’universo della leggerezza, dello spazio, del sorriso. È un mestiere. Sobrio, rude, scoraggiante. [Philippe Petit]

di e con Francesco Zaccaro regia di Ivano Picciallo

disegno luci Camilla Piccioni scene Alessandra Solimene

con il sostegno di IAC

Una sedia. Sei tombe. Un naso rosso. Un uomo seduto in attesa. È così che si apre la scena. La tragedia si è svolta. Tutto è già avvenuto.
Il tempo è motore dell’azione scenica: sfalsato, distorto. Amleto conta i minuti alla sua morte, preparando, infine, il suo loculo. La morte è lì davanti che guarda. La sua tomba aspetta che si riempia del personaggio. L’attore in scena detta i tempi di un dramma conosciuto e tenta in maniera svogliata di ripercorrerne i passaggi cruciali.
E’ farsa? E’ Grottesco? E’ Clownesco? Tutto è rappresentazione.
“Hai trenta minuti e poi morirai” dice l’amico Laerte. Non c’è tempo. Un’imperfetta ricostruzione del dramma Shakespeariano è necessaria perché l’attore arrivi a concludere il gioco, a togliersi il naso, a morire. Il personaggio muore, non l’uomo, che ha ancora qualcosa da dire alla madre defunta. È a lei, sulla sua tomba, che vomiterà addosso parole segrete, logorate dal buio, insudiciate dai troppi silenzi. Confessa.
L’Amleto di Francesco Zaccaro corre su un filo immaginario, sospeso tra realtà e finzione, teatro e rappresentazione, vita e morte, attore e personaggio, cercando come un abile Petit di improvvisare delle evoluzioni: Il filo non è ciò che si immagina. Non è l’universo della leggerezza, dello spazio, del sorriso. È un mestiere. Sobrio, rude, scoraggiante. [Philippe Petit]

di e con Francesco Zaccaro regia di Ivano Picciallo

disegno luci Camilla Piccioni scene Alessandra Solimene

con il sostegno di IAC

Lo spettatore entra in una casa disabitata da poco.

Ogni cosa è ancora al suo posto e il tempo sembra essersi fermato.

Il silenzio amplifica il distacco tra i il visitatore e un luogo ancora muto.

Ma quella casa è stata vissuta ed è carica di segni che a poco a poco iniziano a parlare. Dal silenzio riaffiorano ricordi, momenti differenti, legati eppure distanti. Le porte, le stanze, gli  oggetti, gli odori raccontano una storia, evocano le persone che hanno abitato quel luogo, le  chiamano a ripetere scene già vissute.

“Le case non conservano fantasmi ma trattengono gli effetti degli ultimi gesti di vita.” (Elena Ferrante) 

E’ una storia ridotta in pezzi, come la memoria di una vita, come un sogno ripercorso con la mente  al risveglio.

E’ l’ultimo canto di un luogo prima che il tempo lo faccia lentamente decadere.

“Le cose belle giungono a un certo punto e poi cadono e svaniscono, esalando memorie mentre si distruggono”. (Francis  Scott Fitzgerald) 

Lo spettatore viene condotto dentro la storia, attraversando le stanze e nello stesso tempo le vite di  chi le ha abitate, testimone discreto dell’eco di un passato che risuona ancora una volta.

Tenuto sul limite tra mondo reale e mondo immaginario, potrà quasi toccare i due personaggi ma  non intervenire perché tutto e già accaduto.

Vedrà i due rincorrersi, incontrarsi e separarsi nelle diverse stanze e infine lasciare l’appartamento  per sempre.

Il visitatore si ritroverà quindi di nuovo solo, nel silenzio irreale della casa inanimata eppure ormai  familiare. Il distacco provato all’ingresso cederà il passo alla sensazione che si prova quando si  abbandona un luogo pieno di ricordi.

di e con Alessandra Crocco e Alessandro Miele 

Produzione Ultimi Fuochi Teatro/Progetto Demoni – Capotrave /  Kilowatt Festival- Infinito srl